Русское творчество, несмотря на все богатство событий в русской истории, обладает неуловимыми, но такими узнаваемыми родными особенностями, которые не могут оставить равнодушным. Мы собрали ряд величайших полотен русских художников, о которых часто заходят разговоры в нашем салоне, чтобы познакомить с их интересными особенностями и рассказать о влиянии на развитие русской живописи. При этом, само собой, в статью не уместить все оригинальные произведения: более того, полотна мировой известности давно представлены лишь в государственных музеях и крупнейших частных коллекциях. При этом в нашем антикварном салоне всегда рады рассмотреть и рассказать о происхождении любых оригинальных произведений русских живописцев.
“Демон сидящий” Врубеля, 1890 г.
Именно Врубеля в узких кругах ценителей принято считать основоположником кубизма. Его “Демон сидящий” — наиболее яркий шедевр, представивший миру словно кристаллизованные сюрреалистичные цветы и подсвеченные закатным солнцем облака. Говорят, на парижской выставке 1906 года заметили Пикассо, часами разглядывающего творения Врубеля. Годом позже он завершит полотно “Авиньонские девицы” — помимо того, что написанных в рамках родственного стиля, еще и в аналогичной цветовой гамме.
“Грачи прилетели” Саврасова, 1871 г.
Картина являет собой целую веху в русской живописи и значимый толчок в развитии пейзажных сюжетов. Полотно призвано пробуждать непередаваемое чувство родного, теплого и неотрывно связанного с родными российскими просторами, передавать капельку загадочной русской души. От одного только взгляда на картину словно погружаешься в весну с головой, слышишь щебетание прилетевших птиц и чувствуешь запах свежего и теплого весеннего ветра.
Церковь, послужившая вдохновением для зарисовок, стоит до сих пор — это церковь Воскресения Христова в Сусанино, где Саврасов был проездом. С момента первых выставок картина получит вполне заслуженное множество положительных отзывов от других художников и критиков.
“Царевна-Лебедь” Врубеля, 1900 г.
Некоторый ряд событий, окружавших художника в тот год, не мог не сказаться на мыслях и образах, выплеснутых в по-настоящему живую и динамичную картину. Жена Врубеля исполняла роль Царевны-Лебедя в постановке Римского-Корсакова “Сказка о царе Салтане” (помимо прочего, художник участвовал в общем оформлении и стилистическом сопровождении оперы). При всем прочем картина не отражает ни один из элементов декора и не является портретом жены. Полотно — отражение бушевавших в голове образов от полного погружения в мир литературного произведения. Картина передает сюжет, полный чарующей, мистической и неподвластной красоты. Гармонично слились в образе две противоположности, две стихии: море и небесная высь. Крылья Царевны предстают не то воздушным оперением размашистых крыльев, не то передают силу буйства пены морской. Полотно любимо многими поклонниками как самого творчества Врубеля, так и критиками с широкими взглядами.
“Лунная ночь на Днепре” Куинджи, 1880 г.
Совершенно исключительный шедевр, чье предназначение было предопределено еще на этапе черновика. Первым был поражен великолепием картины внук Николая I, посетивший мастерскую художника. Довольно анекдотично звучит легенда о том, что на вопрос о стоимости художник ответил потомку императора: “Вы все равно не купите, она дорогая”. Как вы понимаете, позже по выставкам ездила уже собственность этого внука. В целом можно отметить, что сюжеты, связанные с Днепром — своеобразная визитная карточка многих полотен Куинджи.
“Неизвестная” Крамского, 1883 г.
Одна из наиболее известных и узнаваемых картин Крамского, даже среди людей, далеких от мира искусства. Само название соответствует элементу загадки: точный персонаж для натуры остался неназванным. При этом по косвенным признакам все же какие-то выводы и предположения сделать можно: героиня, пренебрежительно и немного грустно глядя на наблюдателя, едет в дорогом кортеже, будучи одетой “с иголочки” — по последней моде тех лет. Казалось бы, это должна быть представительница знати, однако же, тогда было не принято так строго следовать последним трендам. Вопреки распространенному мнению о связи картины с произведением Блока “Незнакомка” — это миф, полотно и стихотворение не зависят друг от друга.
“Троица” Рублева, ~1420 г.
Говоря о русской живописи, невозможно не затронуть тему христианских икон, прошедших довольно долгий путь становления и выработки собственного, самобытного стиля. Примечательно конкретное творение выделяющимся акцентом на “простоте”: художник не стремился выпячить мастерство обилием сложных элементов, а сосредоточил зрителя на непосредственно самом сюжете и Святых ликах.
“За туалетом” Серебряковой, 1909 г.
История жизни художницы настолько пронзительна, что заслуживает отдельного внимания. Зинаида происходит из истинной династии художников и невероятно творческих людей (к слову, ее дочери тоже станут художницами). Будучи представительницей зажиточной семьи, она подвергнется серьезным гонениям после революции, а в итоге будет вынуждена бежать с четырьмя детьми. Каждая из ее работ отличается собственным стилем и весьма яркой самобытностью, живостью сюжетов. “За туалетом” — это автопортрет художницы (не единственный в ее истории), передавший легкость светлого утра и безмятежных сборов.
“Девятый вал” Айвазовского, 1850 г.
Пожалуй, нет в мире более известного художника, способного так явственно и точно передавать всю многокрасочность, все переливы и оттенки морской глади и толщи величественных волн. Морская тема Айвазовского поражает до глубины души и уже не оставляет места ни для каких других полотен, демонстрирующих морскую стихию. Это шедевр стиля романтической живописи — когда некоторые обстоятельства, не встречающиеся в реальной жизни, находят отражение во вселенной художника: к примеру, волны в море, свойственные лишь для берегов. Но никакая критика физиков или реалистов не способна уменьшить очаровывающую глубину картин Айвазовского.
“Девочка с персиками” Серова, 1887 г.
В своем стремлении написать “что-нибудь отрадное” в противопоставление набиравшему обороты “тяжелому” реализму и кубизму Серов сотворил легендарную “Девочку с персиками”. За этот портрет художник будет награжден премией Московского общества любителей художеств, а много лет спустя банк России выпустит памятную монету с барельефом самого Серова и небольшим изображением-копией самой картины. Несмотря на попытки многих художников создать картины подобного толка, исключительно Серову удалось тонко передать особенную беззаботность и жизнерадостность изображенной девочки.
“Московский дворик” Поленова, 1878 г.
Поленов написал картину не случайно, он давно планировал изобразить этюд на тему допетровской России. И совершенно случайно, в снятой московской квартире из окна открылся этот чудесный вид. Полотно невероятным образом собирает в себе то неуловимо важное для русской души, подавая очень мягко, по-матерински ласково. Позже “Московский дворик” станет, пожалуй, самой знаменитой картиной художника.
“Купание красного коня” Петрова-Водкина, 1912 г.
Полотно совершенно шедевральным образом способно найти общие нотки и смыслы с любым периодом русской истории, почти магическим образом адаптируясь и находя отклик в любом из событий. Говорить о “Купании красного коня” можно часами — так много заключено в нем различных отсылок, осмысленных и случайных. Но большинство критиков, при всех своих разночтениях и трактовках, сошлись в одном: красный конь — это сама матушка-Россия. Сама поза наездника напоминает знаменитый образ Георгия-победоносца — не хватает лишь копья. Общий стиль написания, схожий с иконописью, лишь подчеркивается наличием троих купальщиков, словно мы смотрим на Святую Троицу. Слегка искаженная перспектива — закругление горизонта, изображение и сверху, и сбоку — вся эта особая геометрия передает необъятность и величие находящихся. Совершенно уникальное полотно производило фурор с самой первой своей выставки.
“Над городом” Шагала, 1918 г.
Марк Шагал — один из наиболее известных художников мирового уровня уже более ста лет. Полотно изображает самого Марка, парящего вместе со своей женщиной Беллой над небольшим городом Витебском. Несмотря на яркие цветные акценты, картина передает довольно двойственные чувства: “парение” совмещается с некой грустной отстраненностью. Главное — это, конечно же, отрешенность и возвышенность любви над бытовыми проблемами и ежедневными заботами. Если присмотреться внимательнее — это и тонкое единение душ влюбленных: у каждого из пары по одной руке, а общие совместные контуры фигур почти неотличимы от единого человека. Все величие полотен художника подчеркивает тот факт, что именно для Шагала Лувр впервые провел именную выставку при жизни художника.
“Апофеоз войны” Верещагина, 1871 г.
Весьма пронзительная картина, которой художник стремился напомнить всем поколениям, какой ценой даются великие завоевания. Хоть за основную предысторию взяты завоевания Тамерлана, в пояснительной записке к полотну Верещагин намеренно указал, что творение посвящается всем завоевателям: прошлым, настоящим и будущим. Пирамида из черепов изображена не случайно: для подчеркивания своего величия и для внушения страха всем еще не завоеванным противникам, Тамерлан предпочитал обезглавливать как воинов противника, так и мирных жителей, после чего — складывать их головы в пирамиды. Картина приобрела мировую популярность и во все времена имела множество отсылок в самых разных произведениях.
“Рожь” Шишкина, 1878 г.
Вероятно, если просто опросить людей на улице, каких русских художников они знают, однозначно будет звучать фамилия Шишкина. Как известно, ему с невероятной точностью удавались пейзажные работы, причем не просто красивые виды, а весьма метафоричные произведения, часто подчеркивающие молчаливую силу и необъятную душу России. “Рожь” показывает нам вроде бы почти пустынное поле, но общие формы могучих деревьев и направления движения явственно намекают на отсылку к трем богатырям, раскинувшим свой тяжелый взгляд по разные стороны. Даже в ключевых ассоциациях художника, оставленных в записке, говорится — “Божья благодать. Русское богатство”.
“Боярыня Морозова” Сурикова, 1887 г.
Картина, сочетающая в себе перипетии очень масштабного сюжета: действия героев передают столкновение взглядов при церковном расколе — даже стоящие по разные стороны от саней люди словно разделились на два лагеря. Главная героиня подняла руку в демонстративном двуперстном крещении, показывая отказ отречься от староверства — похожим жестом вторит ей сидящий на снегу юродивый.
Разумеется, всех достойных картин русских художников невозможно перечесть в одном обзоре, хотя каждая из них достойна отдельной дани уважения. Одно можно сказать точно: русский стиль ни с чем не спутать: каждое полотно по-своему, но отражает одну из граней величия нашей страны и необъятной ее силы духа, неповторимой в своей самобытности. С течением времени лишь увеличивается число ценителей русской живописи, все больше запросов от коллекционеров поступает на те или иные сюжеты, эпохи или периоды. Поэтому если у вас сохранились оригинальные картины, особенно — возрастом порядка ста лет и старше, рекомендуем проверить ее актуальную стоимость в GRANDFOR: вполне вероятно, что объем вознаграждения будет для вас приятным сюрпризом.
